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Vivir (Ikiru) - Akira Kurosawa (1952)

Vivir, Ikiru, Akira KurosawaTítulo original - Ikiru
Año - 1952
Duración - 143 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni
Música - Fumio Hayasaka
Fotografía - Asakazu Nakai
Montaje - Kôichi Iwashita
Producción - Sojiro Motoki
Productora - Toho Company
Género - Drama
Reparto - Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki, Makoto Kobori, Kumeko Urabe, Yoshie Minami, Miki Odagiri, Kamatari Fujiwara


Ikiru es el nombre del trabajo que hoy os presento, dirigido por Akira Kurosawa y escrito por el propio Kurosawa, junto a Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni. Una obra exigente con el espectador enmarcada en los trabajos mas realistas del maestro nipón, pero que a cambio nos regala una riqueza inusual, en la que se realiza una reflexión sobre la vida, la muerte y la forma en que los seres humanos las encaramos, las experimentamos y las afrontamos, poniéndonos en la piel del funcionario público Kanji Watanabe, magistralmente interpretado por el inolvidable Takashi Shimura. Cine para ver con atención, algo de paciencia y el alma abierta de par en par, cuyo mensaje mantiene y mantendrá intacta su vigencia para quien esté dispuesto a escucharlo. Exigente, si, pero sin duda imprescindible.

Vivir, Ikiru, Akira Kurosawa

Sinopsis: Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es un funcionario público que lleva media vida consumiendo su vida entre las cuatro paredes de las oficinas, que poco a poco ha ido encajando en el entramado engranaje de la administración. Encargado de la sección de los ciudadanos, pasa el día poniendo escusas ante sus problemas y utilizando el sello necesario para que pueda seguir su curso cada documento que cae en sus manos, mientras que las personas que lo rodean solo lo miran con interés, ya sea en su familia, donde solo piensan en la herencia que recibirán, como en el trabajo, donde todos ansían llegar a ocupar su puesto. Un buen día recibirá la noticia de que padece cáncer de estómago, por lo que sus días de "vida" están contados, algo que lo hará dirigir la mirada a lo que ha sido su existencia e intentar buscar la manera de finalizarla haciendo lo que apenas ha hecho hasta ese momento, vivir.

El director: Akira Kurosawa fue un director asiático nacido en Shinagawa, Tokio, Japón, el 23 de marzo de 1910. Considerado por muchos, entre los que me encuentro, como uno de los mejores y mas completos directores de todos los tiempos, nos dejó más de 30 películas en su maravillosa filmografía, de la que resulta difícil elegir cuales recomendar, ya que es disfrutable al completo. Aún así, por poner algunos ejemplos de la misma, nombraremos la siguientes: El ángel borracho (1948), de la que os hablamos en esta reseñaDuelo silencioso (1949), El perro rabioso (1949), Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (El mercenario) (1961), Sanjuro (1962), El infierno del odio (1963), Barbarroja (1965), Dersu Uzala (El cazador) (1975), Ran (1985) o Los sueños de Akira Kurosawa (1990), además de la que hoy nos ocupa. Comentar que ninguna de ellas baja del 7 o el 8 en las principales webs de cine, así que no es solo cosa del que aquí escribe, y advertir que me dejo atrás auténticas joyas, pero resulta del todo inevitable hacer una selección.

La película: Creo necesario comenzar aclarando el porqué de mi calificación de exigente de este trabajo, principalmente porque no me gustaría que me acusasen de exceso de celo a la hora de valorarla, ya que el maestro Kurosawa es uno de los directores que mas han marcado mi forma de disfrutar el cine, por lo que puede parecer que soy poco imparcial a la hora de hablar de su obra. Hay que saber que tenemos delante para no llevarnos excesivas sorpresas ni perder nuestro tiempo si no es lo que buscamos o nos apetece. Cuando decía que es exigente, es porque estamos ante un trabajo de casi dos horas y media de duración, cuyo ritmo puede resultar excesivamente lento para algunos aficionados, como suele ocurrir con gran parte del cine asiático que podemos disfrutar. Además se trata de un cine cargado de simbolismo, realizado para activar la capacidad de pensamiento y meditación del espectador, algo que si no llega a conseguir, lo convierte en un trabajo estéril y poco cautivador. Cine que exige paciencia y toda nuestra capacidad de atención para ser disfrutado, ofreciendo a cambio una riqueza indudable.

Vivir, Ikiru, Akira Kurosawa

También me parece fundamental tener claro en que época y dentro de que cultura nos encontramos, aunque en realidad, y como ya he dicho antes, su mensaje sigue y seguirá vigente por siempre. Veo bastante complicado que alguien que lo ha tenido todo en la vida sin excesivos esfuerzos, sea capaz de captar y valorar adecuadamente el contexto en el que esta se desarrolla, perdiendo quizás fuerza en dichos casos, ya que la mayoría de los detalles y situaciones que en ella se describen pueden parecerles incluso ridículos, porque nunca llegaron a valorar esos pequeños detalles que, mientras que para alguien criado en una familia humilde pueden resultar incluso familiares, para alguien que ha vivido sin ningún tipo de carencia, difícilmente habrán llegado nunca a llamar siquiera su atención.

Una historia verdadera (The Straight Story) - David Lynch (1999)

historia verdadera, David Lynch, Straight StoryTítulo original - The Straight Story
Año - 1999
Duración - 111 min.
País - Estados Unidos
Director - David Lynch
Guión - John Roach y Mary Sweeney
Música - Angelo Badalamenti
Fotografía - Freddie Francis
Montaje - Mary Sweeney
Producción - Pierre Edelman, Neal Edelstein, Michael Polaire y Mary Sweeney
Productora - Coproducción USA-Francia; Le Studio Canal+ / Les Films Alain Sarde / Picture Factory & Film Four
Género - Drama, Road Movie, Cine independiente
Reparto - Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley, Jane Galloway Heitz, Dan Flannery, Kevin P. Farley, Wiley Harker, Tracey Maloney


David Lynch sorprendió a propios y extraños con este trabajo basado en una sencilla pero emotiva historia real. Con un guión de John Roach y Mary Sweeney, la fotografía de Freddie Francis, la hermosa bahda sonora de Angelo Badalamenti y el protagonismo de Richard Farnsworth, excelentemente acompañado por Sissy Spacek, estamos ante un trabajo sorprendente, cuya sencillez contrasta con su enorme calidad y riqueza. Muy recomendable, no se la pierdan.

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Sinopsis: Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un anciano que vive en Iowa con una hija discapacitada (Sissy Spacek). Además de padecer un enfisema, a pesar de lo cual no deja sus puros, tiene graves problemas en la cadera que prácticamente le impiden estar de pie, lo que lo obliga a moverse con la ayuda de dos bastones. Pero cuando recibe la noticia de que su hermano, con el que no se habla hace años, ha sufrido un infarto, decide ir a verlo a Wisconsin, para lo que tendrá que recorrer los 500 kilómetros de distancia que hay en el único vehículo que posee, un viejo cortacésped.

El director: David Lynch es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense nacido en Missoula, Montana, el 20 de enero de 1946. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.

historia verdadera, David Lynch, Straight StorySu amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de pago.

Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló Inland Empire y su estreno se produjo en 2006. En 2007 estrenó More Things That Happened, que ncluye episodios que se desecharon en Inland Empire para no alargar demasiado el metraje. Actualmente se encuentra enfrascado en la creación de la secuela de la serie Twin Peaks, que se estrenará en Showtime en 2016.

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La película: El mundo en el que vivimos pasa ante nuestros ojos sin que la mayoría consigamos atrapar y disfrutar las mejores cosas que es capaz de ofrecernos, no siendo esto debido a nuestra poca capacidad o algo parecido, sino al estilo de vida que llevamos la mayoría de los mortales, mas preocupados en lograr sobrevivir en un mundo que exige un ritmo endiablado para conseguirlo, que en poder disfrutar del mayor regalo que se nos ha dado, la vida. Pero de vez en cuando, uno de nosotros es capaz de crear algo, ya sea un cuadro, una escultura, una pieza musical, o como este caso, una película, capaz de mostrarnos aunque sea por un breve instante, lo que realmente es importante en la vida.

La juventud (Youth) - Paolo Sorrentino (2015)

Título original - Youth - La giovinezza
Año - 2015
Duración - 118 min.
País - Italia
Dirección - Paolo Sorrentino
Guion - Paolo Sorrentino
Música - David Lang
Fotografía - Luca Bigazzi
Montaje - Cristiano Travaglioli
Vestuario - Carlo Poggioli
Dirección artística - Daniel Newton y Marion Schramm
Producción - Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori
Productora - Co-production Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film, Medusa Produzione, C-Films AG, Bis Films, Pathé, Number 9 Films
Reparto - Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Madalina Ghenea, Emilia Jones, Mark Kozelek, Anabel Kutay, Rebecca Calder, Ian Keir Attard, Roly Serrano
Género - Drama


Paolo Sorrentino escribe y dirige este espectáculo sensorial perfectamente orquestado llamado La giovinezza (Youth / La juventud en España). Sus peculiares personajes, sus brillantes diálogos y la capacidad que posee de plantear multitud de reflexiones y dilemas, lo hacen ser uno de los mejores trabajos que un servidor ha disfrutado recientemente. Cine que mas que entretener, que también, invita a utilizar nuestra mente para poder mantener joven el alma. Inolvidable.


Sinopsis - Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

El directorPaolo Sorrentino es un director y guionista de cine italiano nacido en Nápoles, el 31 de mayo de 1970. Junto con sus hermanos Marco y Daniela, sufrió la repentina pérdida de sus padres cuando tenía 17 años a causa de una fuga de gas. A esa edad comienza a estudiar economía y comercio, pero a los 25 años abandonó esos estudios para dedicarse al cine.

El cine de Sorrentino posee un estilo surrealista, barroco y existencialista que cuestiona constantemente el poder y la religión. El realizador rompe claramente las barreras del cine comercial, para contarnos las historias que quiere hacernos llegar con una sensibilidad estética que recuerda en algunos momentos al inolvidable Fellini.

Tras el cortometraje L'amore non ha confini (1998), su primer largometraje fue El hombre de más (2001), su primer trabajo junto al actor Toni Servillo, nominada a tres premios David de Donatello, incluidos los de mejor director y guionista. Tras el documental La primavera del 2002 (2002) y el curioso telefilm Sabato, domenica e lunedì (2004) que fusiona cine, televisión y teatro, dirigió Las consecuencias del amor (2004), protagonizada por Toni Servillo y Olivia Magnani, entre otros, con la que se alzó con los premios de la academia del cine italiano a Mejor película y dirección. Le siguieron El amigo de la familia (2006); Il divo (2008), que fue Premio del Jurado en Cannes; Un lugar donde quedarse (2011); La gran belleza (2013), con la que consiguió el Oscars, el Globo de Oro y el BAFTA como Mejor película de habla no inglesa; La juventud (2015), con la que se alzó con los premios como Mejor película, director y actor (Michael Caine), en los Premios del Cine Europeo; Loro 1 y 2 (2018), un biopic sobre el ex Primer ministro italiano y empresario Silvio Berlusconi, y Silvio (y los otros) (2018), en el que Toni Servillo da vida a Berlusconi. 

Sus próximos trabajos serán el drama ambientado en su Nápoles natal The Hand of God, donde aparecen nombres como Toni Servillo, Lino Musella, Lubomir Misak y Alfonso Perugini, y el drama Mob Girl, que nos cuenta la historia de Arlyne Brickman, una mujer que creció entre criminales y mafiosos en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. En su reparto destacan Jennifer Lawrence y Lucas Royalty. 

La película - Después de leer multitud de críticas sobre el trabajo que hoy nos ocupa, no puedo más qué resignarme e intentar llegar a entender el porqué no consigue llegar a un público más amplio, que consiga disfrutar de toda la riqueza y profundidad que el bueno de Sorrentino ha sido capaz de regalarnos de nuevo. Por un lado puedo llegar a asimilar qué a gran parte del público incluso le moleste la pomposidad con la que La juventud adorna su brillante continente, que no lleguen a entender como un trabajo que luce tal nombre, pueda estar interpretado por un grupo de adinerados burgueses en el ocaso de sus vidas, qué deambulan por un balneario de lujo, pero lo que me produce una enorme tristeza es comprobar cómo una gran cantidad de aficionados se quedan solo en eso, en el que para mí es un hermoso envoltorio, que el director utiliza como un mero vehículo con el que ahonda en multitud de temas trascendentales, que continúan rondando tu mente hasta mucho después de haberla finalizado.


Harry Brown - Daniel Barber (2009)

Título original - Harry Brown
Año - 2009
Duración - 103 min.
País - Reino Unido
Dirección - Daniel Barber
Guión - Gary Young
Música - Ruth Barrett y Martin Phipps
Fotografía - Martin Ruhe
Montaje - Joe Walker
Producción - Matthew Vaughn, Kris Thykier, Matthew Brown y Keith Bell
Productora - Marv Films / Prescience Film Fund / UK Film Council
Género - Thriller, Drama
Reparto - Michael Caine, Emily Mortimer, Iain Glen, Jack O'Connell, Liam Cunningham, Sean Harris, Amy Steel, Ben Drew, David Bradley, Raza Jaffrey, Joseph Gilgun, Charlie Creed-Miles, Chris Wilson


Harry Brown es el título de la ópera prima del realizador Daniel Barber, que tras haber sido candidato a los Oscars con el cortometraje The Tonto Woman (2008), iniciaba su andadura con este modesto largometraje. Un trabajo que vuelve a mostrarnos la historia del ciudadano de a pie al que llevan al límite, por lo que decide tomarse la justicia por su cuenta. Nada nuevo bajo el sol, aunque el simple hecho de ser Sir Michael Caine quien le de vida, es suficiente para disfrutarla y convertirla en muy recomendable. Siempre es un placer disfrutar del magnífico trabajo de uno de los más grandes. 


Sinopsis - Harry Brown (Michael Caine) es un militar retirado que pasa sus días entre el cuidado de su esposa enferma y sus partidas de ajedrez frente a su amigo Leonard Attwell (David Bradley). Vive en un barrio en el que la delincuencia y el tráfico de drogas lo dominan todo e impide que sus habitantes puedan convivir en paz. Pero cuando ve como todo lo que le queda en la vida se desvanece ante sus ojos, decide intentar hacer justicia, le cueste lo que le cueste.

El directorDaniel Barber es un director de cine y publicidad británico nacido en Londres. Estudió diseño gráfico en la Escuela de Arte de St Martins, donde se graduó en 1988. Posteriormente se unió al departamento de televisión de Lambie-Naim and Co. En 1993 se unió a Rose Hackney Productions donde comenzó a dirigir publicidad. Su trabajo se exhibió en el Festival Internacional de Publicidad de Cannes y, en 1994, fue nombrado Cara Creativa del Futuro por la revista Campaign y uno de los directores comerciales "Hotshot" del Reino Unido. En 1995, se convirtió en socio y Rose Hackney pasó a llamarse Rose Hackney Barber. Ha ganado docenas de premios por sus comerciales, tanto en Europa como en los Estados Unidos. En 2003, su trabajo también se incluyó en el top ten de los 100 mejores comerciales de Channel 4 .

En el mundo del cine no se ha prodigado mucho. Tras el mediometraje The Tonto Woman (2008), un western de 35 minutos basado en un cuento de Elmore Leonard con el que fue candidato a los Oscars, dirigió Harry Brown, tras la que continuó dedicando la mayor parte de su tiempo a la publicidad. Su segundo largometraje fue En defensa propia (The Keeping Room, 2014), un western sobre la guerra de Secesión en cuyo reparto aparecen nombres como Brit Marling, Hailee Steinfeld, Muna Otaru, Sam Worthington y Kyle Soller, entre otros.

La película - En el mundo del cine abundan los justicieros que actúan al margen de la ley, ciudadanos de a pie que, por un motivo u otro, deciden echar una mano a la sociedad haciendo limpieza de indeseables y todo tipo de criminales por su cuenta y riesgo. De entre todos ellos me vienen a la mente nombres como Paul Kersey, interpretado por Charles Bronson en títulos como El justiciero de la ciudad (Michael Winner, 1974), Yo soy la justicia (Michael Winner, 1981), El justiciero de la noche (Michael Winner, 1984), Yo soy la justicia 2 (J. Lee Thompson, 1987) y Venganza personal (Allan A. Goldstein, 1994). En El justiciero (Eli Roth, 2018) pasó a ser interpretado por Bruce Willis. Otro de los mas memorables es el bueno de Harry Callahan, interpretado por Clint Eastwood en títulos como Harry el sucio (Don Siegel, 1971), Harry el fuerte (Ted Post, 1973), Harry el ejecutor (James Fargo y Robert Daley, 1976), Impacto súbito (Clint Eastwood, 1983) y La lista negra (Buddy Van Horn, 1988).


Más recientemente tenemos a Bryan Mills, interpretado por Liam Neeson en Venganza (Pierre Morel, 2008), Venganza: Conexión Estambul (Olivier Megaton, 2012) y Venganza 3 (Olivier Megaton, 2015). Me vienen a la cabeza nombres como Steven Seagal, que ha interpretado a varios durante su carrera, Robert de Niro que da vida a Travis Bickle en la memorable Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) o el propio Michael Caine, que interpreta a Jack Carter en Get Carter (Mike Hodges, 1971). La lista es interminable.

Rams (El valle de los carneros) - Grímur Hákonarson (2015)

Rams, El valle de los carneros, Grímur HákonarsonTítulo original - Hrútar (Rams)
Año - 2015
Duración - 93 min.
País - Islandia
Director - Grímur Hákonarson
Guión - Grímur Hákonarson
Música - Atli Örvarsson
Fotografía - Sturla Brandth Grøvlen
Montaje - Kristján Loðmfjörð
Producción - Grímar Jónsson
Productora - Coproducción Islandia-Dinamarca-Noruega-Polonia; Aeroplan Film / Film Farms / Netop Films / Profile Pictures
Género - Drama / Familia, Vida rural
Reparto - Sigurður Sigurjónsson, Theodór Júlíusson, Charlotte Bøving, Jon Benonysson, Gunnar Jónsson, Þorleifur Einarsson, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Ingrid Jónsdóttir, Jörundur Ragnarsson, Viktor Már Bjarnason, Jónas Sen, Jenný Lára Arnórsdóttir


Grímur Hákonarson es el guionista y director responsable de este sorprendente drama que nos cuenta las vicisitudes de dos hermanos dedicados a la cría de ovejas, que viven en un pequeño valle de Islandia. Nominada por Islandia para competir en los Oscars a la mejor película extranjera, destaca en ella la escasez de diálogos, algo que no impide que asistamos a un espectáculo hermoso y entretenido, capaz de engatusar al espectador desde el primer momento. Arriesgada propuesta que obtiene magníficos resultados, ideal para los amantes de las historias minimalistas. Un fiel retrato de la vida rural de la zona que merece la pena disfrutar.

Rams, El valle de los carneros, Grímur Hákonarson

Sinopsis: En un remoto valle de Islandia, los hermanos Gummi (Sigurður Sigurjónsson) y Kiddi (Theodór Júlíusson) que viven uno frente al otro con la sola compañía de sus rebaños, pero no se hablan desde hace más de cuarenta años, deberán intentar sobrevivir a una grave enfermedad que amenaza con acabar con sus rebaños de carneros, al igual que con el resto de animales similares que son criados en el mismo valle.

Rams, El valle de los carneros, Grímur HákonarsonEl director: Grímur Hákonarson es un guionista y director islandés nacido en 1977.

Debutó en el 2002 con el documental Varði Goes Europe, tras el que dirigió los cortometrajes Slavek the Shit (2004) y Wrestling (2007). Su debut en la gran pantalla se produjo en 2010 con la comedia fantástica Summerland (Sumarlandið), tras la que dirigió el documental A Pure Heart (Hreint hjarta) (2012), su último trabajo anterior a Rams (El valle de los carneros), el primero del que yo tengo conocimiento. Por ella ha ganado los premios a la Mejor película en Un Certain Regard (Festival de Cannes) y la Espiga de Oro (Festival de Valladolid - Seminci), además de ser nominada a Mejor película en los Premios del Cine Europeo y representar a su país en la carrera por los Oscars, aunque no estuvo en la gala final.

La película: Muy de vez en cuando aparece ante nuestros ojos un trabajo como Rams (El valle de los carneros), que sin hacer excesivo ruido, ni llamar demasiado la atención, es capaz de utilizar su sencillez y efectividad para ganarse un hueco en nuestras mentes y nuestros corazones, volviendo a demostrar que lo verdaderamente importante en el mundo del cine es tener algo interesante que contar y hacerlo de la forma correcta. Es comprensible que su premisa inicial no sea excesivamente atrayente para una gran parte del público, incapaz de hacerse a la idea de que una historia tan sencilla pueda resultar entretenida, pero si le dan una oportunidad y deciden adentrarse en su pequeño valle, existen muchas opciones de que se lleven una grata sorpresa.

Rams, El valle de los carneros, Grímur Hákonarson

Y es que si nos paramos a analizarla detenidamente, nos daremos cuenta de que estamos ante una historia mil veces contada, aunque normalmente en un contexto muy diferente, la de una enemistad entre dos personas que viven en un mismo lugar, que dura ya demasiado tiempo como para tener claro el porqué comenzó y, por supuesto, como para que cualquiera de los afectados sea capaz de dar su brazo a torcer. En este caso se trata de dos hermanos nacidos, criados y que continúan viviendo en el mismo valle, uno frente al otro, a una distancia suficiente como para no estar obligados a tener contacto, pero suficientemente cerca como para que el otro deje de ser parte fundamental en sus vidas.

La visita - M. Night Shyamalan (2015)

La visita, Night Shyamalan, the visitTítulo original - The Visit
Año - 2015
Duración - 94 min.
País - Estados Unidos
Director - M. Night Shyamalan
Guión - M. Night Shyamalan
Música - Paul Cantelon
Fotografía - Maryse Alberti
Montaje - Luke Franco Ciarrocchi
Producción - M. Night Shyamalan, Jason Blum y Marc Bienstock
Productora - Blumhouse Productions / Blinding Edge Pictures
Género - Terror, Intriga, Comedia de terror
Reparto - Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Peter McRobbie, Kathryn Hahn, Celia Keenan-Bolger, Samuel Stricklen, Patch Darragh


M. Night Shyamalan escribe y dirige este sencillo y curioso trabajo en el que se libra de las ataduras de los grandes estudios, para volver a utilizar parte de las características que tan buenos resultados le dieron en sus primeros trabajos, tan diferentes a las olvidables Airbender, el último guerrero y After Earth. Filmada en clave de falso documental realizado por sus dos jóvenes protagonistas, lo que mas destaca en ella es el constante juego con el espectador, virando entre la comedia de género y el cine de terror con gran habilidad, su frescura dentro de un género en horas bajas y el trabajo de su reparto. Lo peor: nada tiene que ver lo que ofrece con lo que anuncia su trailer, por lo que muchos se habrán sentido un tanto engañados.

La visita, Night Shyamalan, the visit

Sinopsis: Rebecca (Olivia DeJonge) y Tyler (Ed Oxenbould) se preparan para pasar una semana con sus abuelos John (Peter McRobbie) y Doris (Deanna Dunagan), a los que jamás han visto. Su madre Paula (Kathryn Hahn), que no ha tenido contacto con sus padres en los últimos 15 años, desde que se marchó de casa, acepta a regañadientes ante la insistencia de los niños y aprovecha para hacer un crucero con su nuevo novio. Pero los niños, que pretenden filmar un documental sobre su visita, pronto se darán cuenta de que hay algo raro en el comportamiento de sus abuelos, algo que en principio solo será una sensación, pero que con el paso de los días se convertirá en algo mucho mas preocupante.

El director: M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista nacido en Pondicherry, India, el 6 de agosto de 1970. Creció en Penn Valley, Pennsylvania, donde a los ocho años le regalaron una cámara Super-8, surgiendo así su pasión por hacer cine imitando a su héroe de aquel entonces, Steven Spielberg. Sus primeros trabajos fueron Praying with Anger (1992) y Los primeros amigos (1998), tras los que consiguió el reconocimiento internacional con El sexto sentido (1999). Tras ella llegaron El protegido (2000), Señales (2002) y El bosque (2004). Tras ellas llega la época mas pobre de su carrera, con trabajos como La joven del agua (2006), El incidente (2008), Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013). Tras su participación en la serie Wayward Pines (2015), La visita supone un soplo de aire fresco en una carrera un tanto atascada. Actualmente trabaja en Split, un thriller sobrenatural que cuenta con la participación de James Mcavoy, Anya Taylor Joy y Betty Buckley, entre otros, que se espera para 2017.

La película: He de comenzar reconociendo que tenía sentimientos encontrados antes de ver La visita, ya que por una parte tenía ganas de ver si el bueno de Shyamalan era capaz de superar el enorme socavón que sus últimos trabajos habían hecho en su carrera, pero por otro me temía lo peor, no queriendo volver a llevarme otro fiasco con una de sus películas. Tras su visionado puedo decir que, aún estando lejos de sus mejores trabajos, al menos si que consigue mejorar, y mucho, los pobres resultados conseguidos con sus últimos títulos. The Visit es un trabajo bastante original, no ya en la forma en la que está filmado, utilizando la ya muy manida técnica del falso documental que tanto coraje me produce, sino por la forma en la que el director ha decidido romper con todo y realizar una mezcla de géneros que gustará a unos mas que otros, pero que al menos supone un rayo de luz entre las sombras que últimamente planeaban sobre su cine.

La visita, Night Shyamalan, the visit

Aún así he de decir que sigo teniendo sentimientos encontrados, ya que por una parte me alegro que Shyamalan haya conseguido recuperar parte de las señas de identidad de su cine, aunque para ello haya tenido que abandonar la financiación y exigencias de los grandes estudios. Da la impresión de que tras sentirse en parte liberado, el realizador decide juguetear con el espectador evitando a la vez arriesgarse de forma clara a otro varapalo, introduciendo el humor negro como parte fundamental de su trabajo y volviendo a utilizar en su cine de terror esa capacidad que tiene de crear atmósferas inquietantes, esos personajes estáticos que tanto desasosiego crean y ese toque personal que solía dar a sus mejores películas. Es capaz de innovar sin apenas utilizar nada nuevo, de entretener y mantener la atención del espectador con relativa sencillez, por lo que el resultado final merece, como poco, un visionado.

El exótico Hotel Marigold - John Madden (2011)

Hotel, Marigold, MaddenTítulo original - The Best Exotic Marigold Hotel
Año - 2011
Duración - 124 min.
País - Reino Unido
Director - John Madden
Guión - Ol Parker basado en el libro de Deborah Moggach
Música - Thomas Newman
Fotografía - Ben Davis
Montaje - Chris Gill
Producción - Graham Broadbent
Productora - Fox Searchlight Pictures
Género - Comedia, Drama
Reparto - Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Dev Patel, Tena Desae
Web oficialhttp://www.foxsearchlight.com/thebestexoticmarigoldhotel/


Con un guion escrito por Ol Parker, basado en la novela These foolish things (2004) de Deborah Moggach, y la dirección de John Madden, revisamos hoy una comedia dramática titulada El exótico Hotel Marigold. Una historia sencilla realizada para entretener, en la que destacan el contraste entre las bellas imágenes de La India, las dificultades de su pueblo para sobrevivivr y un reparto excepcional, que aumenta considerablemente el valor de la película. Un producto ameno y muy humano, cuya principal cualidad es la de ofrecer una imagen positiva de esa etapa a la que tanto tememos la mayoría de las personas, la vejez.

Hotel, Marigold, Madden

Sinopsis: Un grupo de británicos en edad avanzada, viaja a la India para disfrutar de su retiro, atraídos por la publicidad del renovado hotel Marigold. Sin embargo, lo que encuentran a su llegada no es ni la sombra de lo que los vistosos folletos ofrecían. Tras la inicial inseguridad de un cambio tan enorme, poco a poco empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, por lo que se dan cuenta de que la vida y el amor pueden surgir de nuevo cuando consigan dejar atrás su pasado.

El director: John Philip Madden es un director de cine, teatro, televisión y radio, nacido en Inglaterra, Reino Unido, el 8 de abril de 1949. Comenzó su carrera en el cine independiente británico, mientras estudiaba Literatura Inglesa en la Universidad de Cambridge, a principios de la década de los setenta.

Hotel, Marigold, MaddenSus primeros trabajos relevantes los realizó para la televisión, dirigiendo Prime Suspect 4 y episodios sueltos de series como Sherlock Holmes o Inspector Morse. Su debut en la gran pantalla fue en 1993, con el drama romántico Ethan Frome. En ella participan Liam Neeson, Joan Allen y Patricia Arquette, entre otros; ese mismo año dirigió Golden Gate (1993), donde mezcla drama e intriga con Matt Dillon en el papel protagonista; tras los telefilms Principal sospechoso: La niña perdida (1995), con Helen Mirren como protagonista y Truth or Dare (1996), dirigió Su majestad Mrs. Brown (1997), un drama de época centrado en la vida de la Reina Victoria, a la que da vida la actriz Judi Dench.

Tras ella dirigió su mayor éxito hasta la fecha, Shakespeare in Love (1998), ganadora del Oscar a la mejor película. Se trata de una comedia romántica con la participación de Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Judi Dench, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck y Tom Wilkinson, entre otros; sus siguientes trabajos fueron La mandolina del capitán Corelli (2001), un olvidable drama romántico con Nicolas Cage y Penélope Cruz, Proof (La verdad oculta) (2005), un drama con la participación de Gwyneth Paltrow, Anthony Hopkins, Hope Davis y Jake Gyllenhaal, y Tiro mortal (2008), un modesto thriller con Diane Lane y Mickey Rourke. Tras El exótico Hotel Marigold, dirigió La deuda (2011), un buen thriller con Helen Mirren y Jessica Chastain en los papeles protagonistas. Este año nos llega la secuela de la que hoy nos ocupa, El nuevo exótico Hotel Marigold (2015) y para 2016 prepara Murder Mystery, una comedia en la que participa la actriz Charlize Theron.

Hotel, Marigold, Madden

La película: La verdad es que tenía escasas referencias de este trabajo hasta que una amiga me lo mencionó en twitter, por lo que me he hecho con ella y la he visualizado un tanto expectante. El resultado ha sido bastante bueno, haciéndome pasar un buen rato, viendo una comedia sin excesivas pretensiones, pero muy efectiva y amena. Pero claro, es eso lo que promete y es eso lo que te da. Que nadie espere un trabajo de denuncia, ni excesivamente profundo, porque aquí no lo encontrará, puesto que no es esa la intención de sus creadores. Por el contrario, si lo que os apetece es pasar un rato ameno con una historia simpática y humana, este puede ser una buena opción.

Zumo de limón - Jorge Muriel y Miguel Romero (Cortometraje, 2010)

Título original - Zumo de limón
Año - 2010
Duración - 15 min.
País - España
Director - Jorge Muriel, Miguel Romero
Guión - Jorge Muriel
Música - Jerome Vallon
Fotografía - Cristina Rodríguez
Productora - Extremeña de Sonorización / Framestorming, S.L
Género - Drama
Reparto - Selica Torcal, Antonio Malonda, Marisol Rolandi, Concha Momeñe, Juan Expósito, Jorge Muriel, Sonia de la Antonia, Camilo Maqueda, Petra Martínez


Zumo de limón es un producto que no resulta sencillo de digerir. La extremada sencillez con la que Jorge Muriel y Miguel Romero han sido capaces de mostrar un trozo de camino que casi todos hemos de recorrer, ese tan amargo en la mayoría de las ocasiones, es digna de admiración.


Y es que no resulta fácil asimilar lo que es esta vida, aún mas cuando vemos que el final se acerca y la soledad es tu principal compañera. Es momento de hacerse mil y una preguntas, de repasar como ha sido nuestro caminar por el planeta, de imaginar cual ha sido la huella que hemos dejado en el y en nuestros seres queridos. Creo que la esencia de todo lo que os he comentado está perfectamente plasmada en este magnífico trabajo.

Una de las claves de su capacidad para llegar es su actriz principal, Selica Torcal que debuta como protagonista en el cine a los 78 años de edad. Pero no crean que la vida de esta luchadora no ha estado ligada al séptimo arte, ya que durante mas de seis décadas ha sido actriz de doblaje, dando voz entre otros muchos, al personaje de Heidi, esa serie que ha pasado a ser un icono para varias generaciones de niños que ya no lo son tanto. Su trabajo raya la perfección, dando vida de forma muy realista a la triste protagonista principal.


Fuentes consultadas: Filmaffinity y Yoytube