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El juicio de los 7 de Chicago (The Trial of the Chicago 7) - Aaron Sorkin (2020)

Título original - The Trial of the Chicago 7
Año - 2020
Duración - 129 min.
País - Estados Unidos
Dirección - Aaron Sorkin
Guion - Aaron Sorkin
Música - Daniel Pemberton
Fotografía - Phedon Papamichael
Montaje - Alan Baumgarten
Vestuario - Susan Lyall
Producción - Marc E. Platt, Stuart M. Besser y Matt Jackson
Productora - Co-production Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners, Paramount Pictures, Cross Creek Pictures, Marc Platt Productions, Reliance Entertainment, DreamWorks SKG, MadRiver Pictures, ShivHans Pictures (Distribuidora: Netflix)
Reparto - Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Mateen II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson
Género - Drama, Basado en hechos reales, Años 60, Drama judicial, Abogados/as, Drama social


Aaron Sorkin es el guionista y director de The Trial of the Chicago 7, un trabajo que tras sortear multitud de dificultades durante 13 largos años, por fin vio la luz en 2020. En la actualidad está disponible en Netflix, por lo que tenéis la posibilidad de disfrutar de un excelente drama judicial al que no le faltan toques de humor, que nos cuenta la historia de uno de los juicios mas famosos y bochornosos de la historia en Estados Unidos, en una época de grandes cambios en el país norteamericano. Por cierto, acaba de ganar el Globo de oro al mejor guion. Juzguen ustedes mismos.


Sinopsis - En agosto de 1968, Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden, Rennie Davis, David Dellinger, Lee Weiner, John Froines y Bobby Seale hacen preparativos para realizar una marcha hacia Chicago, aprovechando la Convención Nacional Demócrata, con el objetivo de protestar por la cantidad de personas que pierden la vida en la guerra de Vietnam. Cinco meses después de los violentos disturbios que se produjeron en ellas, y tras el relevo del Fiscal General, los ocho son arrestados y acusados ​​de conspiración e incitación a la violencia. 

El directorAaron Benjamin Sorkin es un guionista, productor, dramaturgo y actor estadounidense nacido en Nueva York, el 9 de junio de 1961. Hijo de una maestra y un abogado especializado en derechos de autor que había combatido en la Segunda Guerra Mundial, se crio en el barrio neoyorquino de Scarsdale. Se formó en la Scarsdale High School, donde fue miembro de los clubes de drama y teatro, y en la Universidad de Siracusa.

Durante su brillante carrera nos ha dejado muestras de su trabajo como guionista en Algunos hombres buenos (1992), Malicia (1993), El presidente y Miss Wade (1995), Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007), La guerra de Charlie Wilson (2007), La red social (2010), Moneyball: Rompiendo las reglas (2011), The Newsroom (2012 - 2014), Steve Jobs (2015), Molly's Game (2017) o El juicio de los 7 de Chicago (2020).

Es además el creador de las series de televisión Sports Night (1998 - 2000), El ala oeste de la Casa Blanca (1999 - 2006), Studio 60 (2006 - 2007) y The Newsroom (2012 - 2014). Ha dirigido recientemente los largometrajes Molly's Game (2017), con la participación de Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner y Michael Cera, y El juicio de los 7 de Chicago (2020). También ha interpretado pequeños papeles en alguno de los trabajos anteriormente mencionados y en las series Entourage (El séquito) (2009) y Rockefeller Plaza (2011). En la actualidad trabaja en Being the Ricardos, un largometraje que repasa la vida de Lucille Ball, y una adaptación para televisión de su primer gran éxito, Algunos hombres buenos.

La película - En el mundo del cine, tal como ocurre en multitud de campos en esta vida, hay trabajos que parecen gafados desde incluso antes de ver la luz. En el caso que hoy nos ocupa, el bueno de Aaron Sorkin tenía preparado su guion en 2007, para que Steven Spielberg dirigiese a un elenco de actores desconocidos, pero la huelga de guionistas de 2007 y algunos problemas de presupuesto llevaron a Spielberg a abandonar el proyecto. Una década después fue el propio Sorkin el que asumió la dirección del largometraje, que Paramount Pictures pensaba distribuir en cines, pero la dichosa pandemia impidió su normal difusión, por lo que tras una muy limitada distribución en un puñado de cines, fue la plataforma Netflix la que adquirió sus derechos y nos permite al menos disfrutarla en la comodidad del hogar.


Taxi Teherán - Jafar Panahi (2015)

Taxi, Teherán, Jafar, PanahiTítulo original - Taxi
Año - 2015
Duración - 82 min.
País - Irán
Director - Jafar Panahi
Guión - Jafar Panahi
Fotografía - Jafar Panahi
Montaje - Jafar Panahi
Producción - Jafar Panahi
Reparto - Jafar Panahi junto a un grupo de actores y actrices no profesionales
Productora - Jafar Panahi Film Productions
Género - Documental, Drama (Falso documental)


Varios años han pasado ya desde que al bueno de Jafar Panahi se le prohibiera hacer cine y salir de su Irán natal, pero como el mismo dice “Soy un cineasta. No sé hacer otra cosa más que hacer películas. Nada puede impedírmelo. Y cuanto más me han empujado a los rincones más alejados, más he conectado con mi interior. El cine como arte se ha convertido en mi principal preocupación. Y seguiré haciendo películas para sentirme vivo”. Desde entonces ha realizado Esto no es una película (2011), Telón cerrado (2013) y la que hoy nos ocupa, trabajos que engrandecen a este arte y lo convierten en una ventana a un país totalmente desconocido para la mayoría de los occidentales. Si como él amas el cine, deberías disfrutarla.

Taxi, Teherán, Jafar, Panahi

Sinopsis: En esta ocasión Jafar Panahi se coloca a los mandos de un Taxi en la ciudad de Teherán, por el que irán pasando personajes característicos que representan a la población de su país, hombres y mujeres de todo tipo y diferentes niveles sociales que contribuyen a que podamos formarnos una idea de como es la sociedad en la que viven. Un canto a la libertad a través de una película en la que se omite el nombre de los componentes de su reparto para salvaguardar su seguridad.

Taxi, Teherán, Jafar, PanahiEl director: Jafar Panahi es un director de cine nacido en Mianeh, Irán, el 11 de julio de 1960. Considerado como uno de los más influyentes de la llamada nueva ola iraní, tenía solo diez años cuando escribió su primer libro, con el que ganó un concurso literario, mientras que comenzaba a interesarse por el cine, rodando un par de películas en 8 mm. Tras ello se dedicó a la fotografía y rodó un documental sobre sus experiencias durante la guerra de Irán-Iraq (1980-88), durante la que realizó el servicio militar.

Tras estudiar dirección en la Facultad de Cine y Televisión de la Universidad de Teherán, comenzó rodando varias películas para televisión y trabajó como ayudante del director Abbas Kiarostami en la película A través de los olivos (1994). El primer largometraje de Jafar Panahi como director fue El globo blanco (1995) que ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. El segundo, El espejo (Ayneh) (1997) fue premiado con el Leopardo de Oro en el Festival Internacional de Cine de Locarno. Tras ella dirigió El círculo (Dayereh) (2000), con la que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y el premio de la FIPRESCI en el Festival Internacional de cine de San Sebastián.

Taxi, Teherán, Jafar, Panahi

Con Sangre y oro (2003) se alzó con la Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid y el premio del jurado de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes; con Offside (Fuera de juego) (2005) ganó el Oso de Plata en el Festival de cine de Berlín. El mismo año que realizó el cortometraje The Accordion (2010), pasó 88 días en la cárcel hasta que la presión internacional logró su liberación, aunque esta no pudo evitar la condena de 20 años de inhabilitación para hacer cine, dar entrevistas o salir de Irán. Su delito, “actuar contra la seguridad nacional y hacer propaganda contra el Estado”. A pesar de todo, Jafar Panahi continua luchando por la libertad de su pueblo y denunciando las condiciones en la que vive, sobre todo por los de las mujeres, protagonistas habituales de su trabajo, de la mejor manera que sabe, haciendo cine que se estrena fuera de su país y es visto dentro de el en copias piratas.

Princesa (Han Gong-Ju) - Lee Su-jin (2013)

Princesa, Gong-Ju, Lee Su-jinTítulo original - Han Gong-Ju
Año - 2013
Duración - 112 min.
País - Corea del Sur
Director - Lee Su-jin
Guión - Lee Su-jin
Música - Kim Tae-Sung
Fotografía - Hong Jae-Sik
Montaje - Hyun-sook Choi
Producción - Jung Hwan Kim y Su-jin Lee
Género - Drama
Reparto - Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran, KimChoi Yong-Joon
Web oficial - http://www.m3estudio.com/#!han-gong-ju/c24vw


Princesa (Han Gong-Ju) es la magnífica opera prima del realizador sur coreano Lee Su-jin. Un trabajo de esos que pasan de puntillas por unas pocas salas de cine, capaz de dejarte un pellizco en el estómago y varios días recordando y ordenando los detalles de la dura historia que nos cuenta. Cine que exige un compromiso y un esfuerzo del espectador, pero que a cambio lo invita a vivir una experiencia de las que no se olvidan fácilmente, mostrando temas nada sencillos de tratar con una delicadeza digna de elogio.

Princesa, Gong-Ju, Lee Su-jin

Sinopsis: Han Gong-ju (Chun Woo-hee) es una joven e inocente estudiante que se ve obligada a cambiar de aires tras ser señalada como la responsable de un misterioso incidente que altera las vidas de multitud de familias cercanas a ella. Con la ayuda de uno de sus profesores, la joven se muda a un pequeño pueblo y cambia de colegio, en un intento por dejar atrás su pasado y superar las evidentes secuelas que han cambiado radicalmente su vida, haciendo poco a poco nuevas amistades y refugiándose en la música y la natación, aunque la tarea no será una empresa fácil, ya que hay hechos que te persiguen para siempre.

La película: Increíble sorpresa la que me he llevado con el primer trabajo del realizador Lee Su-jin, un film de esos que uno no entiende como han tenido tan poca repercusión, al menos en nuestro país, sobre todo comparándolo con la multitud de insultos a la inteligencia de los aficionados que pueblan las salas de nuestros maltrechos cines. Aunque eso si, he de avisarles de que no estamos ante una película nada fácil de ver, y mucho menos de digerir, tanto por los delicados temas que trata, como por la forma en la que está llevada a la pantalla. Conozco cientos de aficionados que me dirán que no quieren ver algo así, a pesar de la extraordinaria delicadeza que su director utiliza para contarla, pero creo que realmente merece la pena ver un trabajo diferente a casi todo lo que hayáis visto hasta la fecha, augurando un prometedor futuro a su realizador.

Princesa (Han Gong-Ju) es un enrevesado puzzle al que hemos de enfrentarnos solos, recopilando poco a poco la información que nos va llegando, para poder sacar nuestras propias conclusiones. Comienza con una especie de reunión, consejo escolar o algo similar, donde se le hacen preguntas a nuestra protagonista, a la que seguidamente veremos mudarse con la ayuda de uno de sus profesores, sin saber el motivo que la lleva a ello. La historia prosigue en tiempo real, mientras se nos muestran diversos flashbacks desordenados que nos irán mostrando la información que antes mencioné, con la que poco a poco debemos ir haciéndonos una idea de la situación.

Princesa, Gong-Ju, Lee Su-jin

Por ello puede parecer un tanto confusa en un principio, pero mi consejo es que tengáis paciencia y no queráis saber demasiado antes de tiempo, ya que demasiada información alteraría la experiencia, siempre para mal. Lógicamente, una de las cosas a destacar es el montaje de la película, que es obra de Hyun-sook Choi, un apartado que, si normalmente tiene gran importancia, aquí se convierte en una de las señas de identidad de la película, siendo parte fundamental en el excelente resultado final.

El guión es obra de Lee Su-jin y posee una extraña mezcla de dureza, complejidad y belleza muy destacables. No es un trabajo de demasiados diálogos, aunque los tiene y no precisamente intrascendentes, aunque tampoco resultan excesivamente complejos, teniendo las imágenes una gran importancia en la historia, ya que muestran gran parte de la información. Parte de culpa la tiene la situación de nuestra protagonista, una joven tímida y traumatizada, que ha de adaptarse a mitad de curso a un nuevo hogar, una nueva escuela, nuevos compañeros, etc. Su riqueza reside en la variedad de temas que trata y la dureza de muchos de estos, aunque también en la forma en la que los aborda, rebosante de sutilidad y con sumo cuidado en cada momento para que la experiencia sea lo menos traumática posible.

Pride (Orgullo) - Matthew Warchus (2014)

Pride, Matthew, WarchusTítulo original - Pride
Año - 2014
Duración - 120 min.
País - Reino Unido
Director - Matthew Warchus
Guión - Stephen Beresford
Música - Christopher Nightingale
Fotografía - Tat Radcliffe
Montaje - Melanie Oliver
Producción - James Clayton, Christine Langan, David Livingstone, Cameron McCracken y Jim Spencer
Productora - Calamity Films
Género - Comedia. Drama | Drama social. Comedia dramática. Basado en hechos reales. Años 80. Homosexualidad
Reparto - Ben Schnetzer, Monica Dolan, George MacKay, Bill Nighy, Andrew Scott, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Joseph Gilgun, Sophie Evans, Jessie Cave, Freddie Fox
Web oficial - http://www.pridemovie.co.uk/


Matthew Warchus es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Stephen Beresford basándose en una historia tan real, como a priori improbable, que nos cuenta la fructífera relación que se estableció entre un grupo de homosexuales y uno de mineros, que luchaban cada uno por sus derechos y encontraron en el apoyo mutuo la fuerza necesaria para seguir adelante. Un auténtico canto a la lucha por los derechos, que nos muestra una gran verdad que muchas veces olvidamos: La unión hace la fuerza. Absténganse los mas puritanos, cerrados de mente y homófobos, solo conseguirían pasar un mal rato o agarrarse un buen cabreo. El resto ni lo duden, ya que estamos ante una gran película, además de una increíble historia real muy conmovedora.

Pride, Matthew, Warchus

Sinopsis: En el verano de 1984, siendo primera ministra Margaret Thatcher, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga ante el inminente cierre de varios yacimientos que dejarán en el paro a miles de trabajadores. Un grupo de homosexuales decide comenzar a recaudar dinero para dicha causa en el desfile del Orgullo Gay que se celebra en Londres, al creer que los mineros están teniendo un trato similar al que ellos reciben asíduamente, pero cuando intentan entregarlo, son rechazados por el sindicato, que no que no ve con buenos ojos ver asociado su nombre a un grupo semejante. Lejos de abandonar, deciden intentarlo en una pequeña comunidad minera de un pueblecito de Gales, en lo que supondría el nacimiento de una de las asociaciones mas peculiares jamás vista, entre comunidades tan diferentes entre si.

La película: Ante todo quiero dejar claro que estamos ante un trabajo que me ha parecido excelente, capaz de reunir en un mismo producto una magnífica comedia, dos dramas sociales totalmente diferentes y un contundente mensaje que llega claro y directo, dejándome una muy agradable sensación de esperanza que tanto bien hace en los tiempos que vivimos. Pero a la misma vez quiero exponer que, aún siendo heterosexual, soy una persona con una mente muy abierta, algo que creo imprescindible para disfrutarla plenamente, ya que aunque vivamos en una sociedad que lleva la modernidad y el respeto por bandera, la hipocresía continúa siendo parte fundamental de la forma de vida de muchos y muchas, que dan una imagen de tolerancia ante los demás mientras esconden gran parte de sus prejuicios. Así somos los seres humanos y que se salve el que pueda.

En segundo lugar he de confesar mi desconocimiento de la historia en la que se basa la película, hecho por el cual también desconozco el grado de fidelidad entre realidad y ficción, aunque creo que en el caso que nos ocupa no es algo de excesiva importancia. Claro que se habrán variado algunas cosas para que la película funcione, al igual que se recurre a varios tópicos en momentos puntuales, pero la esencia de lo que se quiere contar es lo verdaderamente importante, algo a lo que los detalles anteriormente mencionados no le afectan en absoluto, por lo que en esta ocasión, y sin que sirva de precedente, son simples banalidades que no restan al excelente resultado final.

Pride, Matthew, Warchus

El guión escrito por Stephen Beresford es realmente brillante, algo que alcanza mayor mérito por el hecho de que es prácticamente un desconocido, al menos para un servidor. Su ritmo es bastante bueno, sus personajes perfectamente dibujados, la mezcla entre comedia y drama equilibrada a la perfección y su estructura resulta muy acertada, dando lugar a un producto de una calidad indiscutible, que en las manos del realizador Matthew Warchus, da como resultado un trabajo de esos que no se olvidan con facilidad. Además hay que decir que le da tiempo a repasar temas tan dispares como la enorme riqueza artística de la época, los problemas familiares ocasionados por la orientación sexual de los jóvenes, los miedos que producía y la extendida ignorancia de la población acerca del sida, tratados con sumo tacto y no menos habilidad. Hasta su extraordinario final merece solo alabanzas, ya que aunque no existen aquí vencedores ni vencidos, el film es capaz de dejar un sentimiento de esperanza que rara vez se consigue en el cine que se realiza en la actualidad.

Dos días, una noche - Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne (2014)

Dos días, una noche, DardenneTítulo original - Deux jours, une nuit (Two Days, One Night) aka
Año - 2014
Duración - 96 min.
País - Bélgica
Director - Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Guión - Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Sonido - Jean-Pierre Duret
Fotografía - Alain Marcoen
Montaje - Marie-Hélène Dozo
Producción - Luc Dardenne, Denis Freyd y Jean-Pierre Dardenne
Productora - Coproducción Bélgica-Francia; Les Films du Fleuve / Archipel 35
Género - Drama
Reparto - Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée, Batiste Sornin, Alain Eloy, Myriem Akeddiou, Fabienne Sciascia, Olivier Gourmet


Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, o los hermanos Dardenne, como prefiráis, vuelven a hacer de la sencillez y la cotidianidad su principal arma, en este duro drama sobre la clase trabajadora, enfocado en la actual crisis económica. Escriben y dirigen un trabajo cuasi documental, en el que no aparece ni la música, para que nada enturbie el claro mensaje que te dejará huella sin lugar a dudas. Mención especial a una Marion Cotillard que rebosa naturalidad y talento. Hay veces que para darnos cuenta de lo que vivimos a diario, han de mostrárnoslo claro como el agua. Por cierto, su sencillez es solo aparente.

Dos días, una noche, Dardenne

Sinopsis: Sandra (Marion Cotillard) es una joven esposa y madre, que trabaja en una pequeña fábrica de paneles solares. Tras una baja por una crisis nerviosa regresa al trabajo, descubriendo que sus jefes han visto que el trabajo sale adelante sin ella alargando cada trabajador un poco su jornada, por lo que dan a elegir a la plantilla entre perder una paga extra de 1000 euros y que Sandra conserve su trabajo o cobrarla aún a sabiendas que ella será despedida. Las necesidades económicas y la presión por parte de uno de los encargados hacen que la mayoría vote a favor del despido. Sandra decide entonces visitarlos uno a uno en el fin de semana, para tratar de convencerlos y que cambien de opinión.

Los directores: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne son dos hermanos cineastas belgas. Jean-Pierre nació el 21 de abril de 1951 en Engis y Luc el 10 de marzo de 1954 en Awirs, ambos lugares pertenecientes a la provincia Valona de Lieja (Bélgica). Escriben, dirigen y producen juntos sus películas y se han denominado a sí mismos como "una persona con cuatro ojos".

Dos días, una noche, DardenneLos hermanos Dardenne comenzaron su carrera realizando documentales a finales de los años 70. No fue hasta 1987 cuando se pasaron a la ficción, realizando ese mismo año el cortometraje Il Court, il Court, le Monde, una oscura sátira sobre la obsesión moderna por la velocidad y su ópera prima Falsch, un drama sobre el holocausto donde adaptan una novela de René Kalisky. Entre su reparto aparecen Bruno Cremer, Jacqueline Bollen y Nicole Colchat; Je pense a vous (1992) fue su siguiente trabajo, un drama en el que retratan las miserias de la clase trabajadora con Robin Renucci y Fabienne Babe; el reconocimiento de la crítica internacional les llegó con su tercer trabajo, La promesa (1996), un excelente drama sobre la inmigración con la participación de Olivier Gourmet, Assita Ouedraogo y Jérémie Rénier; tras el documental Gigi, Monica... y Bianca (1997), donde tratan el problema de los niños explotados y su difícil reinserción en la Rumanía miserable y corrompida de Ceaucescu, dirigieron Rosetta (1999), un drama sobre la adolescencia con el que ganaron la Palma de Oro en la edición número 52 del Festival de Cannes, donde desde entonces son habituales de la sección a concurso; en 2002 dirigieron El hijo, un nuevo drama sobre la adolescencia y la reinserción en la sociedad con Olivier Gourmet y Morgan Marinne como protagonistas; en 2005 ganarían su segunda Palma de Oro con El niño, un nuevo drama social sobre una joven pareja que malviven en los suburbios de Lieja. Está interpretada por Jérémie Renier y Déborah François; tras participar en A cada uno su cine (2007), una recopilación de 33 cortometrajes realizados por 35 directores con motivo del 60 aniversario del Festival de Cannes, estrenaron El silencio de Lorna (2008), un drama sobre un matrimonio de conveniencia con Arta Dobroshi, Jérémie Renier y Olivier Gourmet; su último trabajo antes del que hoy nos ocupa fue El niño de la bicicleta (2011), un drama sobre un niño de once años que se escapa del hogar de acogida con la intención de encontrar a su padre. En su reparto aparecen nombres como Cécile De France, Thomas Doret o Jérémie Renier.

La película: El cine de los Dardenne es algo digno de estudio, ya que tras la aparente simplicidad y las grandes dosis de realismo que desprenden, casi siempre encontramos excelentes guiones de una riqueza pocas veces vista, donde se tocan multitud de temas de rabiosa actualidad que vemos casi a diario, pero que ellos tienen la capacidad de mostrar de una forma en la que consiguen agitar conciencias, que hacen que muchos abran los ojos ante realidades que preferimos ignorar o que simplemente escapan a nuestro sentido de la apreciación, tan atrofiado entre tanta información como nos llega a diario.

Tiempos Modernos - Charles Chaplin (Película completa online, 1936)

Tiempos, Modernos, ChaplinTítulo original - Modern Times
Año - 1936
Duración - 89 min.
País - Estados Unidos
Director - Charles Chaplin
Guión - Charles Chaplin
Música - Charles Chaplin
Fotografía - Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
Montaje - Williard Nico
Producción - Charles Chaplin
Productora - United Artists
Género - Comedia, Cine mudo, Película de culto
Reparto - Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia


El inolvidable Charles Chaplin escribió, dirigió, produjo, protagonizó e incluso se encargó de la banda sonora, en esta maravillosa sátira sobre las carencias existentes durante la gran depresión, con una especial atención a las condiciones laborales de la época y una visión futurista de las mismas. Una deliciosa mezcla entre cine mudo y sonoro que ha alcanzado la condición de atemporal, siendo de obligada visión para los amantes de este arte y muy recomendable para todos en general. Cine hecho con el corazón.

Tiempos, Modernos, Chaplin

Sinopsis: Charlie Chaplin es un obrero que trabaja en una cadena de montaje de una moderna fábrica metalúrgica. Las condiciones de trabajo que soporta hacen que cada vez le cueste mas seguir el ritmo que los jefes pretenden imprimir, por lo que acabará perdiendo la razón y siendo recluido en un hospital psiquiátrico. A su salida deberá afrontar una de las peores épocas económicas de su país, intentando sobrevivir en un mundo donde el hambre y la pobreza campan a sus anchas.

El director: Charlie Chaplin fue un actor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico nacido en Londres, Inglaterra, un 16 de abril de 1889. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.

Tiempos, Modernos, ChaplinCon su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan, y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Entre su filmografía, las películas más destacadas fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, desde 1916 también se encargó de la producción, y a partir de 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.

A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Óscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades anti-estadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York (1957) y La condesa de Hong Kong (1967), sus últimos trabajos. Falleció el Día de Navidad de 1977.

Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones (Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill), y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

La película: El cine sonoro ya estaba en pleno auge cuando Chaplin concibió Tiempos Modernos, aunque el era muy reticente a ponerle voz al personaje al que se lo debía todo, un Charlot al que no imaginaba, o no quería imaginar, hablando ante la cámara. Es por ello por lo que en este trabajo decidió introducir sonido, pero no en los diálogos de sus protagonistas, por lo que lo puso en las voces que se escuchaban en radios y televisores, en varias canciones o en el singular ruido de la maquinaria dentro de la fábrica. Por ello, además de una obra maestra del cine, es también un trabajo muy peculiar, citado por muchos como la última película del cine mudo, aunque no lo fuera en su totalidad. De hecho es la primera en la que se escucha la voz del célebre personaje de bombín y bastón.

Callejón sin salida (Calle sin salida) - William Wyler (1937)

Callejón, Wyler, Dead endTítulo original - Dead End
Año - 1937
Duración - 93 min.
País - Estados Unidos
Director - William Wyler
Guión - Lillian Hellman
Música - Alfred Newman
Fotografía - Greg Toland
Montaje - Daniel Mandell
Producción - Samuel Goldwyn
Productora - United Artist
Género - Drama, Cine negro
Reparto - Sylvia Sidney, Joel McCrea, Humphrey Bogart, Wendy Barrie, The Dead End Kids, Claire Trevor, Allen Jenkins, Marjorie Main, Ward Bond


William Wyler nos demuestra, como hizo en multitud de ocasiones, que para hacer cine de calidad no es necesario un enorme presupuesto. Con un magnífico guión de Lillian Hellman, un reparto en el comienza a brillar con luz propia el aquí secundario Humphrey Bogart, en uno de esos papeles que lo encumbraron, la brillante fotografía de Greg Toland  y la hermosa música de Alfred Newman, es capaz de mostrarnos un fiel retrato de los barrios marginales de la época. Cine de muchos quilates para no perderse.

Callejón, Wyler, Dead end

Sinopsis: Ciudad de Nueva york. Los barrios mas desfavorecidos han ido creciendo a las orillas del río durante años, ocupando totalmente la zona, hasta que a algunas familias pudientes se les antojó vivir con vistas a el y han comenzado a construir lujosos bloques que contrastan con la extrema pobreza que los rodean. Mientras un grupo de chavales sin apenas posibilidades ni futuro se crían en el, llega de visita un elegante caballero (Humphrey Bogart) que una vez fue como ellos, para ajustar cuentas con su pasado, algo que alterará la, ya de por si tensa y engañosa calma que se respira en la zona.

El director: William Wyler nació en Mulhouse, hoy perteneciente a Francia, pero por aquellos entonces a Alemania, un 1 de julio de 1902. Tras educarse en Lausana (Suiza) y estudiar violín en el Conservatorio de París, se trasladó a los Estados Unidos en 1921.

Callejón, Wyler, Dead endWyler dirigió películas de todo tipo, sin ningún tipo de tema que fuera su marca personal en el cine. Pero sus películas estaban siempre bien hechas, resultaban bellas y su forma de rodar era reconocible, incluyendo innovaciones como la profundidad de campo (luego usada por Welles). Era conocido por realizar decenas de tomas de cada una de las escenas de sus películas, y por exigir gran control sobre la historia, las localizaciones y el personal de cada producción.

Durante unos años fue un director no muy bien considerado, algo que el tiempo acabó por cambiar. De su primera etapa destacan títulos como Jezabel (1938), Cumbres borrascosas (1939), La Carta (1940), The Westerner (1940) y La loba (1941). Bette Davis dijo en varias ocasiones que fue el único director que supo dirigirla correcta y completamente.

En los años 50 y 60 dirigió varias películas muy aclamadas por la crítica, entre las que cabe destacar Detective Story (1951) galardonado en Cannes con el premio de mejor actriz para Lee Grant; Vacaciones en Roma (1953) que presentó a Audrey Hepburn al público estadounidense y le llevó a ganar su primer Óscar; La heredera, que hizo ganar a Olivia de Havilland su segundo Óscar, La gran prueba (1956), con el cual Wyler ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y Ben-Hur, con la que consiguió todos los Óscar de la edición de 1959; los once premios que ganó sólo han sido igualados dos veces, por Titanic en 1997 y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey en 2003. Posee 4 Oscars, 3 como Mejor director por La señora Miniver, Los mejores años de nuestra vida y Ben-Hur, además del Premio Irving G. Thalberg a toda su carrera.

La película: He de comenzar confesando que el señor Wyler es uno de esos directores de los que me gusta ver todo lo que ha realizado, ya que demostró en innumerables ocasiones que se puede hacer cine de enorme calidad sin grandes alardes económicos. Sus películas están magníficamente rodadas y difícilmente defraudan, obteniendo en ellas un resultado final digno de admiración, en la mayoría de las ocasiones.

Y el caso que hoy nos ocupa no es una excepción a lo que les acabo de comentar, consiguiendo con un solo decorado y un par de vistas a una ciudad creada para la ocasión, un perfecto retrato de la miseria en la que viven algunos y de las insalvables diferencias que los separan de los estratos acomodados de una sociedad fría e implacable, en la que las posibilidades económicas son la única vara de medir la valía de las personas, dando de lado los valores que cualquier padre desea inculcar a sus hijos. ¿les suena a algo?, porque resulta que este trabajo tiene ya 78 años y sigue estando tan vigente como el primer día.

En mal estado - Hermanos Delicado Adsuar (Cotometraje, 2012)

* Título original - En mal estado
* Año - 2012
* País - España
* Director - David Delicado y Juan Antonio Delicado
* Guión - David Delicado
* Fotografía - Jose Montero Olivares
* Montaje - David Delicado
* Producción - David Delicado y Juan Antonio Delicado
* Productora - Super Producciones con la colaboración de Masuno Imagen
* Maquillaje - Rocio Calvente Nuñez
* Música - David Martínez Martinez
* Género - Drama, Cortometraje
* Reparto - Pedro García, Ángela Soler y Damian Varea


Sinopsis: Pablo y Juanjo son dos amigos al limite en una sociedad azotada por la crisis. Deberán llegar a donde nunca hubieran imaginado.


Bueno, pues una vez dejadas atrás las navidades, con todo lo que dichas fiestas conllevan, he decidido compartir con vosotros un cortometraje que desgraciadamente recrea a la perfección lo que han tenido y están teniendo que pasar multitud de familias dentro y fuera de nuestras fronteras. Personas que rara vez copan los medios de comunicación, ya que solo son noticia cuando su situación es ya insostenible y la mayoría de las veces ni eso.

Los hermanos Delicado Adsuar son los responsables del guión y la dirección de este magnífico corto, que debería servir para agitar conciencias, aunque a quien realmente sería necesario que lo hiciese pero parece no importarles lo mas mínimo, es a la triste clase política que tenemos que sufrir día tras día. Una brillante dirección y las notables interpretaciones de Pedro García, Ángela Soler y Damian Varea son su carta de presentación. Os dejo la versión extendida del mismo, con la esperanza de algún día poder verlo sin sentir una cuchillada en el alma, lo que sería una buena señal de que todo marcha mejor. Estaremos atentos al trabajo de David y Juan Antonio, así como al de su trío protagonista, ya que parecen tener un brillante futuro por delante. Sabia nueva para nuestro cine, que nunca viene mal. Espero que les guste.



PALMARES:

* Mejor fotografía en el certamen "Cortos de aqui" (Elda, España)
* Mejor guión en el certamen "Cortos de aqui" (Elda, España)
* Primer premio al mejor cortometraje de ficcion en el 4º Certamen internacional de cortometrajes de Florencio Varela "Roberto Di Chiara" 2012 (Argentina)
* Ganador de la seccion "1-15 MIN" en el 9th Annual Imago film festival (USA)
* Medalla de bronce en el 41 Festival of Nations (Austria)
* Premio al mejor actor para Pedro Garcia en el Festival de Alcoy (Alcoy, España)
* Premio al mejor cortometraje en el IX Festival cinematográfico internacional El ojo cojo (Madrid, España)
* Honorable Mention 55th Rochester international film festival


La estrategia del caracol - Sergio Cabrera (1993)

estrategia, caracol, Sergio, Cabrera* Título original - La estrategia del caracol
* Año - 1993
* Duración - 105 min.
* País - Colombia
* Director - Sergio Cabrera
* Guión - Humberto Dorado, Jorge Goldenberg, Frank Ramírez, Ramón Jimeno
* Música - Germán Arrieta
* Fotografía - Carlos Congote
* Montaje - Manuel Navia
* Producción - Marianella Cabrera, Sergio Cabrera, José María Nieto y Sandro Silvestri
* Productora - Caracol Televisión / CPA / Crear TV / Emme / FOCINE / Fotograma S.A. / Ministère de la Culture et de la Francophonie / Ministère des Affaires Étrangères
* Género - Comedia, Drama
* Reparto - Frank Ramírez, Fausto Cabrera, Florina Lemaitre, Humberto Dorado, Delfina Guido, Víctor Mallarino, Salvatore Basile, Carlos Vives, Gustavo Angarita, Jairo Camargo, Ulises Colmenares, Marcela Gallego, Jorge Herrera, Luis Fernando Montoya, Edgardo Román


El director de cine colombiano Sergio Cabrera fue el encargado de recordarnos que es posible realizar una comedia, aunque sea una dramática, capaz de hacernos pensar, entretenida pero a la vez crítica y mordaz, con la que trata la eterna lucha de clases que se produce en cualquier sociedad, y mas aún en una como la colombiana, donde las diferencias entre los diferentes estratos sociales son abismales. Una delicia que lanza un grito de esperanza y optimismo, el mismo que desprenden sus entrañables personajes. Imprescindible.

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Sinopsis: Los inquilinos de La Casa Uribe ven como tras ser desalojados los ocupantes de la casa contigua, correran su misma suerte en breve. Su propietario, el pudiente y arrogante Dr. Holguín (Víctor Mallarino), quiere que sea declarada Bien de Interés Cultural del Casco Histórico de Bogotá, aunque sus planes son otros muy diferentes. Por el momento, han sido capaces de retrasarlo por el ingenio de "Perro" Romero (Frank Ramírez), un hábil personaje que está a punto de licenciarse como abogado, pero cuando sus estratagemas legales se agotan, deberán seguir el extraño plan que un viejo anarquista español exiliado llamado Jacinto (Fausto Cabrera).

El director: Sergio Cabrera nació en Medellín en 1950. Hijo de actores españoles exiliados en Colombia debido al régimen franquista, se trasladó con su familia a China en 1960, donde terminó su educación en Pekín, donde llegó a ser guardia rojo con 16 años. Tras regresar a Colombia, fue miembro de la guerrilla del 'Ejército Popular de Liberación' durante 4 años.

estrategia, caracol, Sergio, CabreraA comienzo de los años 70 regresa al país asiático para estudiar filosofía y hacer cine en sus tiempos libres, época de la que datan sus primeros cortos. En 1975 se trasladó a Londres para estudiar cine en el London Film School, tras lo que se ha dedicado a este arte, ejerciendo como director de fotografía, productor, editor, actor, co-guionista y director.

Ha dirigido doce cortometrajes, varios documentales y series para televisión, además de algunas telenovelas. En cuanto al cine se refiere, destacan en su filmografía títulos como 'Técnicas de duelo: Una cuestión de honor' (1988), 'La estrategia del caracol' (1993), 'Águilas no cazan moscas' (1994), 'Ilona llega con la lluvia' (1996), 'Golpe de estadio' (1999) y 'Perder es cuestión de método' (2005). Destaca también su trabajo en España, donde es responsable de las series 'Severo Ochoa: La conquista de un Nobel' (2001) y 'Adolfo Suárez, el presidente' (2010), además de participar en la exitosa 'Cuéntame cómo pasó' (2001). Dirigió también el documental 'Madrid 11-M: Todos íbamos en ese tren' (2004), junto a Pedro Barbadillo y María Campuzano.

La película: Por una vez, y sin que sirva de precedente, no tengo la menor intención de desgranar los medios técnicos desplegados en este trabajo, puesto que no creo que sea algo necesario. Tras disfrutar por segunda vez tras unos años de 'La estrategia del caracol', sigo sin prestar la mas mínima atención a como está hecha la película, a si su fotografía es mejor o peor, a si la iluminación de tal escena es la mas apropiada o a si hubiese realizado este cambio o aquel.

Las vidas de Grace - Destin Cretton (2013)

vidas, Grace, Destin, Cretton* Título original - Short Term 12
* Año - 2013
* Duración - 96 min.
* País - Estados Unidos
* Director - Destin Cretton
* Guión - Destin Cretton
* Música - Joel P. West
* Fotografía - Brett Pawlak
* Montaje - Nat Sanders
* Producción - Joshua Astrachan, Asher Goldstein, Ron Najor y Maren Olson
* Productora - Cinedigm / Animal Kingdom / Traction Media
* Género - Drama
* Reparto - Brie Larson, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Stephanie Beatriz, Rami Malek, Alex Calloway, Melora Walters, Keith Stanfield, Silvia Curiel, Harold Cannon
* Web oficial - http://shortterm12.com/


Pocas veces, muy de vez en cuando, aparece algún trabajo como este, como si de una hermosa flor brotando entre la chatarra se tratase, para recordarnos lo hermoso que es el cine. Destin Cretton firma el guión y dirige este estallido de emociones, donde se dan la mano todo lo bueno y lo malo de la vida y del ser humano, para formar un conjunto que no debéis dejar pasar sin disfrutarlo. Realmente mágica.

vidas, Grace, Destin, Cretton

Sinopsis: Grace (Brie Larson) es una joven que trabaja en Short Term 12, un centro de acogida para adolescentes en situación de vulnerabilidad. Disfruta con su trabajo porque en el pasado tuvo problemas similares a los que tienen algunos de los chicos, pero cuando llega al centro una joven con la que se siente bastante identificada, descubrirá que para seguir ayudando a los chicos y llevar una vida normal, tendrá que hacer frente a ciertos fantasmas que creía enterrados, pero que vuelven a florecer.

vidas, Grace, Destin, CrettonEl director: Destin Daniel Cretton es un director de cine estadounidense, guionista, productor y editor nacido el 23 de noviembre 1978 en la isla de Maui, en Haiku, Hawaii, donde vivió hasta los 19 años, cuando se mudó a San Diego, California para asistir a la universidad Point Loma Nazarene. Después de graduarse, Cretton comenzó a trabajar en un hogar para adolescentes en riesgo, mientras que realizaba cortometrajes como un hobby. Posteriormente se graduó de la Universidad Estatal de San Diego, donde asistió a la escuela de cine. El cortometraje que sirvió de base a 'Las vidas de Grace' fue su proyecto final de carrera.

El primer cortometraje de Cretton, 'Short Term 12', se estrenó en el Festival de Cine de Sundance (2009), donde ganó el Premio del Jurado US Short cinematografía. Entonces escribió una adaptación del corto a un largometraje, que obtuvo una beca de la Academia Nicholl en 2010. La financiación de la adaptación fue difícil de conseguir, por lo Cretton escribió y dirigió su primer largometraje, 'I Am Not a Hipster' (2012). La película participó en la sección oficial en el Festival de Cine de Sundance (2012), dando un impulso definitivo para poder financiar 'Las vidas de Grace'

Cretton ha trabajado en colaboración con su hermana, Alegría Cretton, quien ha desempeñado labores de diseñadora de vestuario en sus dos largometrajes y en alguno de sus cortos. En la actualidad trabaja en la película 'The Glass Castle', que espera estrenar en 2015. Se trata de un drama basado en un guión que Marti Noxon ha escrito sobre las memorias de la periodista y escritora estadounidense Jeanette Walls. Está confirmada la participación de Jennifer Lawrence.

La película: Existe un amplio abanico de películas donde sus protagonistas son los mas desfavorecidos, personas que por unos motivos u otros necesitan de atención y ayuda, bien sea porque son victimas de maltratos, bien porque sufren continuos abusos, o porque simplemente jamas han tenido algo parecido a lo que llamamos familia, alguien en quien apoyarse y con quien compartir sus alegrías y sus penas. El mayor problema de muchas de esas películas es que se basan sola y exclusivamente en la búsqueda de llegar al corazón de los espectadores, de la lagrima fácil, para que nos entendamos. En otras sin embargo, sus responsables se dan cuenta de que esa búsqueda es innecesaria, ya que la historia en si tiene ese efecto, por lo que suelen obtener mejores resultados que las primeras.

Las uvas de la ira - John Ford (1940)

uvas, ira, John, Ford* Título original - The Grapes of Wrath
* Año - 1940
* Duración - 129 min.
* País - Estados Unidos
* Director - John Ford
* Guión - Nunnally Johnson basado en la novela de John Steinbeck
* Música - Alfred Newman
* Fotografía - Gregg Toland
* Productora - 20th Century Fox.
* Productor: Darryl F. Zanuck
* Género - Drama
* Reparto - Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, John Qualen, O.Z. Whitehead, Eddie Quillan, Zeffie Tilbury


Fiel retrato de la gran depresión que sufrió Estados Unidos durante los años 30 magníficamente llevada a la gran pantalla por el maestro John Ford. Una obra imprescindible que, salvando siempre las distancias, es extrapolable a la situación que miles de familias sufren hoy en nuestro país, al igual que en tantos otros. De obligada visión para todos los que sufrimos a diario por el futuro de nuestros hijos, ya que quizás nos haga recapacitar sobre nuestra profunda apatía ante la situación actual y poder así evitar llegar a ciertos extremos no tan lejanos como a algunos nos parecen.

uvas, ira, John, Ford

Tom Joad (Henry Fonda) acaba de recibir la libertad provisional tras cumplir la condena que se le impuso tras un homicidio en legítima defensa. Su único anhelo es regresar a casa con su familia y comenzar de nuevo, pero poco le durará la alegría al observar como esta ha sido desahuciada de las tierras que tenían arrendadas hacia décadas. Junto a ellos emprenderán un duro viaje en busca de trabajo para poder sobrevivir en la tierra soñada, la hermosa California.

John, FordPoco se puede decir ya de este mítico director que no haya sido escrito con anterioridad, siendo considerado por muchos como uno de los mejores que ha dado la historia del cine. Personalidades como Ingmar Bergman y Orson Welles, entre otros muchos, compartían esta misma opinión, así que no les voy a descubrir nada nuevo.

Desde 1917 en que debutó con 'El tornado' hasta 1965 en el que dirigió su ultimo largometraje 'Siete mujeres' nos ha dejado una infinidad de títulos por descubrir, tanto del cine mudo como del sonoro, aunque hay que aclarar que su último trabajo fue en 1976, en el que dirigió el documental bélico 'Chesty: A Tribute to a Legend'. Títulos como 'La diligencia', '¡Qué verde era mi valle!', 'El fugitivo', 'Fort Apache', 'Río Grande' o 'Mogambo' son solo una muestra de su extensa obra.

Ganó 4 premios de la academia por 'El delator' (1935), '¡Qué verde era mi valle! (1941)', 'El hombre tranquilo' (1952) y la que hoy nos ocupa 'Las uvas de la ira' (1940), estando también nominado en 1939 por 'La diligencia', considerada por muchos como una de sus mejores películas pero que tubo la mala fortuna de tener que competir con otro gran clásico, 'Lo que el viento se llevó', dirigida por Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood.